пятница, 28 марта 2014 г.

Русские художники. Василий Тропинин.

(1776—1857)
Василий Андреевич Тропинин родился в семье крепостных, но сильный характер, терпение и безграничная любовь к искусству помогли ему отстоять своё право заниматься любимым делом и стать одним из крупнейших портретистов первой половины XIX столетия.
С 1793 г. семья графа Ираклия Ивановича Моркова, которому принадлежал художник, жила в Петербурге. Здесь Тропинину позволили посещать классы Академии художеств. Тогда академия впервые допустила в свои стены «всякого звания и лет молодых людей», в том числе и крепостных. Василий Тропинин одновременно занимался в живописном и рисовальном классах, но в 1804 г. его учёба внезапно прервалась — граф Морков приказал своему крепостному следовать за ним в имение на Украине. Здесь Тропинин был и кондитером, и лакеем, и архитектором; он построил церковь в селе Кукавка, где граф предполагал поселиться. Всё свободное время Тропинин отдавал живописи. Первые известные работы мастера были созданы в самом начале XIX в. на Украине и в Москве, куда он часто ездил со своим хозяином.
В 1812 г. семья Морковых вернулась в Москву. Тропинину пришлось отделывать интерьер их дома, пострадавшего при пожаре. В это время он выполнил портреты членов семьи Морковых, лучшим из которых стал этюд, изображающий братьев Н. И. и И. И. Морковых (1813 г.). «Портрет сына художника» (1818 г.) написан рукой уже зрелого мастера.

Слава Тропинина росла, и окружение графа постоянно твердило ему о том, что крепостной художник очень талантлив и его необходимо освободить. Морков был вынужден расстаться со своей «собственностью» и в 1823 г. дал Тропинину вольную. В этом же году художник представил в академию работы «Портрет художника Скотникова» (1821 г.), «Старик нищий» и «Кружевница» (обе 1823 г.). Женщина за работой олицетворяла для художника мир домашнего уюта и душевного тепла. Кружевница ласково и доверчиво смотрит на зрителя, а её пальцы ловко плетут узор. Вскоре Тропинин получил звание академика.

Став свободным, художник поселился в Москве. В конце 20-х — 40-е гг. XIX в. мастер был необыкновенно популярен. В это время он написал множество портретов. Среди них «Портрет Пушкина» (1827 г.) — очень простой и «домашний», выполненный в лёгкой, свободной манере;
«Автопортрет с палитрой» на фоне Кремля, созданный при тёплом вечернем освещении (1846 г.), и др.

Художник создал более семисот работ, в основном портреты современников: людей известных и неизвестных, богатых и бедных — архитекторов, писателей, актёров, учёных, военных, господ и крестьян, странников, нищих и детей. Мир Тропинина тих и спокоен, в нём нет страстей и драматизма, но разлита глубокая, всеобъемлющая любовь к человеку. Полотна этого живописца излучают её своими тёплыми красками, мягким, обволакивающим светом, добрыми улыбками, неторопливыми жестами и ясными взглядами персонажей.

вторник, 25 марта 2014 г.

Родились сегодня. 25 марта. ГОНЗАГО Петр Федорович

 (1751-1831)

Пьетро ди Готтардо Гонзаго - крупнейший мастер театрально-декоративного искусства, ландшафтной архитектуры, художник-график, теоретик искусства.
Пьетро ди Готтардо Гонзаго (иначе - Гонзага) родился в семье мастера декоративной живописи. Получив прекрасное художественное образование в Венеции, работал в различных итальянских городах. Оформлял спектакли в театрах Венеции и Рима, Пармы, в миланском «Ла Скала». Русский князь Н. Юсупов, увидев работы художника, пригласил его в Петербург. И в 1792 г. Гонзаго приехал в российскую столицу, став декоратором императорских театров. Создаваемые им театральные зрелища поражали современников не только бравурной живописностью, но и удивительным правдоподобием своих пространственных эффектов. Гонзаго оформлял спектакли в театрах Петербурга (Эрмитажном, Большом, или Каменном, Малом и др.), Гатчины, Павловска, Петергофа, в Петровском театре в Москве. Особенно Гонзаго ценил Эрмитажный театр, сцена которого была предназначена для спектаклей пышных, зрелищных, а стиль декораций Гонзаго соответствовал образу театра, созданному Кваренги. Гонзаго выдвигал новую для своего времени идею о равноценности эмоционального воздействия музыки и декорации. Современники отзывались о декорациях Гонзаго как о «редком совершенстве». Свой опыт он теоретически обобщил в ряде сочинений («Предуведомление моему начальнику, или разъяснение театрального декоратора», «Музыка для глаз и театральная оптика», «О чувстве, о вкусе и о прекрасном»).

 Гонзаго внес большой вклад в русское садово-парковое искусство, активно участвуя с 1792 г. в планировке парка в Павловске, и создал здесь целый ряд живописных ландшафтных перспектив. По его указаниям была спланирована самая обширная часть парка, свободная от сооружений, скульптур, водоемов и даже рельефа (270 гектаров «Белой березы» - спланированные луга, леса и рощи). Гонзаго учитывал даже фактуру листвы и хвои, игру светотени, законы перспективы. Он был мастером пейзажных переходов от веселья к печали, хорошо изучив особенности русской флоры.
Петр Федорович Гонзаго скончался в Петербурге, похоронен на Волковском лютеранском кладбище (могила не сохранилась).

понедельник, 24 марта 2014 г.

Родились сегодня. 24 марта. КОЗЛОВ Энгельс Васильевич

Картины Энгельса Козлова находятся в Государственном Русском музее и Музее Академии художеств, в музеях и частных собраниях в России, США, Великобритании, Японии, Франции, Швейцарии.
Э. В. Козлов - народный художник России, народный художник Коми - родился в старинном селе Троицко-Печорск, в крестьянской семье. С1935 г. семья Козловых жила в Сыктывкаре. Недуг заставил мальчика тринадцать лет ходить на костылях. Но он не поддался болезни: отлично учился в школе, посещал кружки: литературный, радиокружок, изостудию в Доме пионеров. Школу окончил с отличными результатами. В 1946 г. был направлен на операцию, после которой смог наконец-то ходить без костылей. За два года Энгельс Козлов окончил три курса художественного училища в Ярославле и перевелся в Ленинградское художественно-педагогическое училище. В 1950 г. стал студентом Института живописи им. И. Е. Репина и в 1956 г. окончил с отличием мастерскую профессора Ю. М. Непринцева. Написанная под его руководством дипломная работа «Будет жить!» сразу принесла признание (хранится в музее Академии художеств). Эта картина посвящена врачам, которым он был многим обязан.

 Несмотря на то, что только в тридцать лет Энгельс Васильевич получает диплом профессионального художника, его творческая судьба очень плодотворна и счастлива. За 50-летний период им создано около тысячи живописных работ. Любимым жанром Козлова был портрет. О нем говорили, что он пишет «историю в лицах».

Им выполнены портреты первого ректора Петербургского университета Г. Ф. Миллера, композитора А. П. Петрова, народного артиста СССР Е.А.Лебедева; создана уникальная галерея портретов профессоров Сыктывкарского университета; жанровые и исторические композиции, пейзажи, натюрморты.
Энгельс Васильевич Козлов скончался в Санкт-Петербурге в 2007 году. Государственный Русский музей хранит две картины художника - «Черное золото» и «Первый ленинский декрет», представляющие интерес как талантливо запечатленная история эпохи.

вторник, 18 марта 2014 г.

Русские художники. ВРУБЕЛЬ Михаил Александрович

Творчество Михаила Врубеля - одно из самых значительных явлений русского искусства конца XIX века. Неповторимое мастерство, трагизм, героический дух, сказочность делают Врубеля художником на все времена. Врубель воссоздавал мир в образах своего необычного искусства, и эти образы стали одной из важнейших вех русской культуры рубежа столетий.

 М. Врубель поступил в Академию художеств в 1880 г. Он стал ярким представителем русской школы, и в первую очередь благодаря художнику-педагогу П. П. Чистякову. Первые крупные произведения были созданы Врубелем в Киеве (1884-1889). Ныне Кирилловский храм вошел в историю еще и как памятник, хранящий росписи, рожденные гением Врубеля. Тогда же появилась характерная врубелевская величавая экспрессия, выражение духовной напряженности во взгляде, позе, жесте, в атмосфере глубокой тишины.


 С 1889 г. художник работал в Москве, где создал настоящие шедевры - «Демона сидящего» (1890), иллюстрации к Лермонтову (1891) - вершину своего графического мастерства. Из его картин наиболее известны: «Восточная сказка», «Гамлет и Офелия», «Гадалка», «Пан», «Царевна Лебедь». Он был универсальным художником и работал в разных жанрах и техниках - в декоративных панно, театральной живописи, скульптуре, витраже, прикладном искусстве и майолике. В 1904 г. в Петербурге начался последний период творчества мастера. Он пишет «Шестикрылого серафима». Могучий ангел в сверкающем радужном оперении - образ цельный и гармоничный - противоположность мятущемуся Демону.

Скончался Врубель 14 апреля 1910 г. в Петербурге, похоронен на Новодевичьем кладбище. Сильное и устойчивое воздействие Врубеля испытали почти все крупные русские художники XX в. Его творческий стиль стоит у истоков практически всех авангардных поисков русского искусства прошедшего столетия.

В собрании Государственного Русского музея находится более 250 работ М.А. Врубеля. Среди них такие широко известные зрителю живописные произведения, как «Гамлет и Офелия» (1884), панно «Утро» (1897), «Богатырь» (1898), «Летящий демон» (1899), «Шестикрылый серафим» (1904).

пятница, 7 марта 2014 г.

История возникновения праздника 8 марта

Из истории известно, что возник он в связи с борьбой женщин за свои права. Впервые собрались представительницы обувных, текстильных, швейных фабрик в Нью-Йорке именно 8 марта. А произошло это в 1857 году, когда условия труда женщин были чрезвычайно тяжелыми: работали они по 16 часов, при этом тяжелейший труд оценивался очень низко – женщины получали только часть от той суммы, которая полагалась за ту же работу мужчинам. 

Именно поэтому главные требования работниц сводились к тому, чтобы рабочий день (с тяжелейшими условиями) длился не более 10 часов, а заработная плата была такой же, как у мужчин. Многочисленные манифестации привели к тому, что некоторые требования были выполнены, в том числе введен более короткий рабочий день. Одним из последствий манифестаций, которые прошли восьмого марта 1857-го года, было образование профсоюза, членами которого стали исключительно женщины. Кроме того, женщины начали требовать избирательные права.

Клара Цеткин на  2-й Международной конференции, собравшей в 1919 году женщин-социалисток, предложила праздновать 8-е марта как  женский день на международном уровне. В то время он ассоциировался с борьбой женщин за свое равноправие. Призыв Клары Цеткин привел к тому, что во многих странах женщины начали борьбу против нищенского существования. Они отстаивали право на труд и достойную оплату. С 1911 года 8 марта празднуют в Дании, Германии, Швейцарии, Австрии.

А в России праздник отмечался впервые в 1913 году. 

В 1917 годы российские женщины собрались на улицах городов, провозглашая следующий лозунг: «Хлеба и мира». По заявлению временного правительства, женщинам России с этого момента было гарантировано избирательное право. По старому календарю это было 23 февраля, а по новому – 8 марта. С того времени праздник долго имел некоторый политический подтекст.

Советская власть сразу же признала 8 марта как Международный женский день, объявив его государственным праздником. Выходным этот день стал с 1965 года.


суббота, 15 февраля 2014 г.

Минойские вазы

Критские вазописцы достигли редких высот мастерства. Они изготовляли сосуды, различные по форме и размерам, — от маленьких чашечек с тонкими, почти прозрачными стенками (их называют «яичной скорлупой») до громадных глиняных яйцевидных сосудов — пифосов, достигавших двух метров в высоту, в которых хранили зерно, вино, воду.

У минойских ваз нет тяжёлых широких поддонов. Они тяготеют к объёмным, сферическим формам. Аля устойчивости их иногда полностью или частично закапывали в землю. 

Вазы раскрашивали ярко и смело, применяя красную, белую, синюю и чёрную краски. Композиции включали в себя как геометризованные формы, так и образы живой природы. Весьма часто на вазах изображали моллюсков, коралловые рифы, осьминогов, оплетающих щупальцами весь сосуд. Особенно были любимы цветы — лилии, тюльпаны, нежные и хрупкие крокусы. Их изображали как в вазонах, так и на грядках. 

Но более всего поражают цветы, склоняющие головки под порывами сильного ветра. Самые красивые вазы минойской эпохи найдены в пещере Камарес близ Феста, откуда происходит их название — вазы «камарес».